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EL
PROTOCOLO MIDI |
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 MIDI
(Musical Instruments Digital Interface) es el
lenguaje que utilizan actualmente muchos
instrumentos para comunicarse entre ellos, enviar y
recibir datos y sincronizarse. Nació dentro del
mundo de los sintetizadores como respuesta a una
necesidad de los músicos: controlar varios equipos
con sus dos manos y hacer capas de varios sonidos
entre ellos.
Los
primeros resultados de esta nueva tecnología se
mostraron en el North American Music Manufacturers
Show de 1983 en Los Ángeles. La demostración
consistió en dos sintetizadores de distintos
fabricantes conectados por MIDI con un par de
cables; el representante de una de esas dos
compañías tocó uno de los sintetizadores... ¡y el
público se alborotó entre muecas de asombro al ver
como los teclados sonaban juntos! Al igual que dos
ordenadores pueden conectarse por módem, dos
instrumentos que soporten el protocolo MIDI pueden
comunicarse. La información MIDI tiene un carácter
netamente musical: se refiere a comandos play-stop,
activación de nota, tempo, volumen, etc, aunque su
uso avanzado permite muchas mas posibilidades.
 
Cakewalk: Programa de entorno MIDI
En este punto vale la pena hacer una aclaración para
los más novatos. Uno de los mitos más recurrentes
entre los no iniciados es que el MIDI es algo
material, un formato de sonido en sí mismo. Eso ha
llevado a las tópicas y erróneas expresiones
"escucha este MIDI que acabo de hacer", "estoy
buscando el MIDI de esta canción", y el más inocente
de todos ellos, "quiero pasar este WAV a MIDI".
Todos estos conceptos se basan en una mala
comprensión del MIDI. El MIDI es un protocolo de
comunicación, un conjunto de comandos que circulan
entre dispositivos MIDI dando órdenes a los mismos
respecto a lo que deben hacer. Lo que suena son los
aparatos, no "el MIDI" que, además, tiene otras
funciones aparte de controlar la ejecución de
sonidos.
Cuando
alguien pregunta "cómo pasar de WAV a MIDI", está en
la misma situación que aquel que tiene una foto
digital (un JPG por ejemplo) de un texto y quiere
que esa foto se convierta en formato TXT para usarlo
en un procesador de textos. Así como el WAV y el JPG
son "fotos" digitales de una realidad material (el
sonido y la imagen), el MIDI y el TXT son lenguajes
que indican a ciertos dispositivos qué deben hacer.
En el caso de un sintetizador, el MIDI le dice qué
notas deben sonar, a qué volúmenes, etc; y en el
caso de un procesador de textos, el TXT le dice qué
caracteres deben presentarse, en qué formato...
Es cierto
que existen las tecnologías OCR para leer caracteres
a partir de una foto, pero esta técnica está
implementada en el audio digital con menos fortuna.
Existen programas que pueden identificar tonos a
partir de un wav y construir mensajes MIDI a partir
de ellos, pero normalmente solo funciona con WAVs
monofónicos y no muy complejos.
Equipo MIDI Básico
 Sin
duda, los
dispositivos MIDI
más tradicionales
son los
sintetizadores. El
MIDI se diseñó para
comunicarlos entre
sí, y esa función
desde luego sigue
vigente. El MIDI te
permite utilizar
varios teclados o
módulos de sonido a
la vez; de esta
manera puedes hacer
que un sonido de un
sinte sea reforzado
por el sonido de
otro, o simplemente
hacer arreglos
polifónicos y
multitímbricos con
varias máquinas
sincronizadas.
Hay que aclarar aquí
la típica confusión
de principiante
entre sintetizador y
teclado. El
sintetizador (o
sampler, dado el
caso) es el
generador de sonido,
y el teclado
simplemente envía
mensajes MIDI
indicando qué notas
deben tocarse y con
qué fuerza. Como la
mayoría de
sintetizadores
llevan teclado
incluido, mucha
gente cree que son
inseparables. Pero
no es así; hay
sintetizadores sin
teclado (los
llamados "módulos de
sonido") y teclados
sin sintetizador.
Estos últimos son
los teclados
maestros.
Con la
simplificación de
los estudios caseros
actuales, mucha
gente utiliza los
llamados teclados
maestros o
controladores, que
no incorporan ningún
sonido. Simplemente
envían datos MIDI
para controlar a
otros aparatos (por
ejemplo,
sintetizadores
virtuales, VST's).
Esto abarata su
precio y hace que la
producción musical
sea más accesible a
todos, si bien los
teclados maestros de
gama alta pueden ser
muy caros. Algunos
fabricantes famosos
son FATAR (su modelo
SL-161 en la foto de
abajo), Behringer,
M-Audio, Oberheim,
Midiman, Roland o
Yamaha.
.
Controlador MIDI:
M-Audio 18 XL
El centro
de una instalación MIDI es el secuenciador, que
centraliza la grabación y reproducción de todos los
mensajes MIDI, su edición y sincronización. Lo
normal es que esté basado en un programa de
ordenador, dado que los ordenadores ofrecen mayor
potencia que cualquier sistema de secuenciación
hardware, y muestran sus datos en monitores de gran
tamaño que facilitan las tareas.
Los secuenciadores
software más famosos
son sin duda Logic,
Cubase y Cakewalk.
Cakewalk es el más
extendido en
América, y los otros
dos son líderes en
el mercado europeo.
Cualquiera de ellos
es altamente capaz,
destacando
especialmente Logic
por su environment
configurable.
 
Cubase:
Software de
Secuenciacion MIDI
Otros programas
famosos son el
Digital Performer de
MOTU o la saga
Orchestrator de
Voyetra; ciertos
editores de
partituras como
Finale tienen
funcionalidades de
secuenciador MIDI,
así como algunos
sistemas multipista
de audio como Pro-Tools
o Nuendo. Todos
ellos manejan un
gran número de
pistas a la vez, así
que esto no será un
límite.
Si dispones de
varias máquinas MIDI
y quieres tener un
control absoluto
sobre ellas, todo
debe estar bien
conectado y debe
gestionarse
principalmente desde
el secuenciador.
Desde este programa
podrás grabar todos
tus equipos por
pistas, y luego
cortar, copiar y
editar las
secuencias. Tú solo
podrás completar un
arreglo complejo de
muchas pistas. Lo
normal es comenzar
grabando una pista
base, y luego ir
grabando las demás
por encima, mientras
suenan las
anteriores que has
grabado. Así el tema
se irá
"construyendo" y
solo se requiere la
intervención de una
persona.
 
Pro-Tools:
Software de Produccion Musical Profesional.
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LOS SINTETIZADORES
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 A pesar de
que los primeros sintetizadores fueron construidos
en la década del '20, no fue hasta los años 60 que
comenzaron a popularizarse. Su desarrollo tuvo lugar
principalmente en los laboratorios de electrónica de
las universidades de los Estados Unidos. Allí,
algunos pioneros como Bob Moog construyeron
prototipos de sintetizadores e hicieron
demostraciones.
Al principio, el sintetizador era visto como algo
puramente experimental y elitista, quizá por el
hecho de que sólo algunos artistas de la vanguardia
se atrevieron a componer música hecha para
sintetizadores.
En el año 1968, un músico llamado Walter Carlos
(quien tras un cambio de sexo pasó a llamarse Wendy
Carlos) en colaboración con Moog grabó una serie de
obras de Johann Sebastian Bach en un disco llamado
Switched-on Bach (más conocido en los países de
habla hispana como Bach Electrónico), usando un
sintetizador Moog modular y una grabadora de 4
pistas. El álbum fue recibido con inusual atención,
vendió cientos de miles de copias, fue el primer
álbum de música clásica en obtener un premio Grammy
así como ser el primer álbum de música clásica en
vender un millón de copias y probó al gran público
que el sintetizador podía ser adaptado a la música
tradicional.
Con el surgimiento de un nuevo mercado los
fabricantes diseñaron modelos más pequeños como el
Minimoog, además comenzaron a aparecer fábricas en
Japón de la mano de marcas como Roland y Yamaha.
Sintetizador:
Roland Juno
Los nuevos estilos musicales de los '70, como el
rock progresivo, demandaban nuevos sonidos y el
sintetizador fue adoptado con gusto. Algunos de los
héroes de los sintetizadores de los años 70 fueron
Keith Emerson de Emerson, Lake & Palmer y Rick
Wakeman de Yes.
Hasta este momento los sintetizadores eran usados
para agregar sonidos novedosos a los instrumentos ya
existentes. Pero con la llegada de la tecnología
digital fue posible que éstos comenzaran a emular
instrumentos ya existentes, como vibráfonos y pianos
eléctricos.
En esta época, nació la que hoy es considerada la
música electrónica de mano de pioneros como el grupo
alemán Kraftwerk. Se trata de música repetitiva y
algo robótica producida casi exclusivamente por
sintetizadores. La música electrónica derivó en
subestilos como el technopop o synthpop, donde se
destacaron bandas como Depeche Mode, Orchestral
Manoeuvres in the Dark, Ultravox, Alphaville, The
Human League, Erasure, Soft Cell, Gary Numan, Pet
Shop Boys y más en la actualidad grupos como
Destroyer, The Russian Futurist o los españoles
Limousine.
En 1983 se adaptó la interfase MIDI que permitía a
diferentes marcas de sintetizadores comunicarse
entre sí y grabar lo que se tocaba en un aparato
llamado secuenciador. Esto revolucionó la forma de
hacer música ya que cualquiera podía programar
aunque no fuera un buen ejecutante. Los
sintetizadores más representativos de esta era son
el Yamaha DX7 y el Roland D-50.
Sintetizador:
Korg Triton Le Pro
A comienzos de los '80 se desarrolló también el
sampler o muestreador, que permitía grabar sonidos
reales y reproducirlos. Esta tecnología posibilitó
lo que es común hoy en día, que se utilicen
sintetizadores y samplers para emular casi todos los
sonidos existentes.
Sintetizadores Clásicos
En la siguiente lista se muestan sintetizadores
clásicos que fueron punto de referencia en algún
sonido o escena. También se relacionan los músicos y
artistas así como determinados estilos asociados a
ellos.
Yamaha dx-1 (Depeche Mode, Elton John)
Moog modular (Rush, Wendy Carlos, Tomita, Tonto's
Expanding Head Band, Emerson, Lake & Palmer, The
Beatles)
ARP 2600 (The Who, Stevie Wonder, Weather Report,
Edgar Winter, Jean-Michel Jarre)
ARP Odyssey (Kansas, Ultravox, Styx, Vangelis,
Herbie Hancock)
Moog Taurus (Rush, Genesis, The Police, U2)
Minimoog (Los Jaivas, Pink Floyd, Rush, Yes, Emerson,
Lake & Palmer, Stereolab, Devo, Ray Buttigieg, Rick
Wakeman)
Micromoog (Lendi Vexer)
Moog Source(The Rentals)
Electronic Music Labs Electrocomp 101(Weezer)
EMS VCS3 (Roxy Music, Hawkwind, Pink Floyd, BBC
Radiophonic Workshop)
Fairlight CMI (Jean-Michel Jarre, Jan Hammer, Peter
Gabriel, Mike Oldfield, Pet Shop Boys, The Art of
Noise)
NED Synclavier (Michael Jackson, Stevie Wonder,
Laurie Anderson, Frank Zappa, Pat Metheny Group)
Sequential Circuits Prophet 5 El primer sintetizador
programable del mercado (Berlin, Phil Collins, The
Cars, Jean Michel Jarre, Genesis, Steve Winwood)
E-mu Emulator (The Residents, Depeche Mode, Deep
Purple, Genesis)
Roland Jupiter-8 (Rush, Duran Duran, OMD, Huey Lewis
and the News)
PPG Wave (Rush, Depeche Mode, The Fixx, Thomas Dolby)
Roland TB-303 (Techno, Acid House)
Roland D-50 (Jean-Michel Jarre, Limousine, Enya,
Dream Theater)
Roland MT-32 (estándar de facto en música y efectos
para videojuegos)
WaveFrame AudioFrame (Peter Gabriel, Stevie Wonder)
Yamaha DX7 (el rey de la síntesis de modulación de
frecuencia) (Rush, Steve Reich, Depeche Mode, Zoot
Woman, The Cure, Brian Eno, Howard Jones, Nitzer Ebb,
Jens Johansson)
Casio VL-TONE o VL-1 (Stevie Wonder, Trio,Beastie
Boys)
Yamaha GX-1 (Emerson, Lake & Palmer, Led Zeppelin
Yamaha SHS-10 (uno de los primeros "keytar" de los
'80)
Yamaha SY-77
Yamaha MOTIF (Chick Corea)
Korg M1 (el primer sintetizador que llevó la tan
popular síntesis avanzada integrada de korg y que
dio origen a los llamados workstation) (Pet Shop
Boys, Snap, DJ bobo, Mike Oldfield, Kitaro)
Korg Karma (Dream Theater, Jordan Rudess, Herbie
Hancock)
Roland JP-8000 (el sintetizador que definió el
sonido que luego se llamó música trance como Ozric
Tentacles; el suave sonido de onda de diente de
sierra para los solos de este tipo de sonido.
Clavia Nord Lead (The Prodigy, Zoot Woman, The
Weathermen, Jean Michel Jarre, Derek Sherinian, el
primer sintetizador digital que usó la técnica de
modelado físico para emullar circuitos analógicos.
Oberheim OB-Xa (Queen, Rush, Prince, Styx,
Supertramp, Van Halen)
Lyricon, primer sintetizador de viento producido en
masa. (Michael Brecker, Tom Scott, Chuck Greenberg,
Wayne Shorter)
Alesis Andromeda
Korg microKorg, Air, Beck, Jean Michel Jarre
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EL
PROCESO DE GRABACION |
Definiendo los
Temas
Normalmente un grupo
cuando no tiene
experiencia en el
estudio y tiene unos
temas listos para
grabar, no tiene en
cuenta una serie de
detalles
fundamentales a la
hora de hacer la
grabación; así que
empezaremos dando
algunos consejos
útiles para una
mejor preparación de
los temas, lo que
supondrá un
importante ahorro
económico.
Antes de entrar al
estudio, el grupo
debe decidir y
definir con claridad
los temas que va a
grabar. Esos temas
hay que ensayarlos
repetidamente hasta
lograr una perfecta
ejecución tanto en
los principios como
en los finales de
cada canción. Antes
de todo, el grupo
debe tener en
cuenta, que a la
hora de componer un
tema, lo ideal es
hacerlo desde el
principio con una
claqueta (señal
acústica, emitida
por un metrónomo
digital o una caja
de ritmos, que
define el tempo y la
velocidad de las
canciones).
El problema suele
estar en el batería,
que para dominar
este sistema debe
tener una
preparación previa
con claqueta de al
menos unos 5 meses.
Hay que tener en
cuenta que si se
ejecutan las
canciones
perfectamente a
claqueta, se
reducirán los costes
de la grabación,
además del tiempo y
el trabajo del
técnico.
Es muy importante
que los grupos en el
local de ensayo
compongan y trabajen
sus canciones con
claqueta. Unas tres
o cuatro semanas
antes de grabar, el
grupo debe ensayar
los temas de una
forma alternativa a
la tradicional, es
decir, deben tocar
los temas haciendo
distintas
combinaciones de
instrumentos
(guitarra - bajo,
bajo - batería,
batería - guitarra,
etc.), mientras el
resto de componentes
ESCUCHA
detenidamente y
prestando el máximo
de atención. La idea
es que los
diferentes miembros
del grupo se oigan
unos a otros, para
tener claro lo que
toca cada uno y
saber cómo suena.
Es el sonido, quizá,
lo que menos tienen
en cuenta los grupos
noveles en la
experiencia de
grabar. La tarea de
sacar un sonido
global bueno al
grupo realmente
pertenece al técnico
productor de sonido,
pero esto no excluye
a los propios
músicos de conocer
bien el manejo y las
características de
sus instrumentos y
amplificadores; por
tanto, para que una
banda suene bien, lo
primero es que sus
componentes sepan
cómo deben sonar
individualmente de
cara a conseguir un
sonido conjunto
perfecto.
La mayoría de los
problemas suelen
producirse por el
mal estado en que se
encuentran los
instrumentos, así
que será igual de
importante una
previa revisión y
puesta a punto de
los mismos (quintaje
de guitarras y bajo;
contactos a masa del
cableado, problema
que origina ruidos
de línea; parches de
la batería; limpieza
de potenciómetros;
revisión de
multiefectos), en
general, todo el
equipo que se vaya a
utilizar en la
grabación.
Una vez llevados a
cabo todos esto
consejos, estamos
preparados para
entrar al estudio, y
la primera pregunta
que surge es: ¿Qué
estudio? Para saber
qué estudio es el
más conveniente para
nuestras
necesidades, es
recomendable
informarse sobre
anteriores trabajos
realizados por dicho
estudio. Si se
tienen conocidos en
otras bandas afines
al propio estilo
musical, que tengan
discos o maquetas ya
grabadas, hay que
preguntar sobre las
cualidades de los
técnicos y las
características del
equipo de los
estudios en los que
han grabado,
posiblemente eso
ayudará a escoger el
estudio adecuado.
En el Estudio de
Grabacion
Por fin ya dentro del estudio, lo primero que se graba es la batería, aunque existen diversas técnicas que pueden aplicarse, grabando primero una base rítmica conjunta formada por batería, bajo y guitarra rítmica; este sistema se utiliza buscando una mayor comodidad de los músicos a la hora de ejecutar los riffs y, en consecuencia, una mayor pegada y naturalidad de los mismos.
Se monta la batería en el estudio, se colocan los micros y se toma el sonido, empezando por los bombos, seguidos de la caja, timbales, chaston, ride y platos; en esta fase hay que procurar que entre la menor señal posible de otros instrumentos por el micro que toma el sonido (por el micro del bombo que no entre el sonido de la caja, platos y demás y viceversa), esto se consigue gracias a los efectos llamados dinámicos (puertas de ruido, compresores, etc.). Para guiar al batería a la hora de ejecutar los temas, se grabará previamente una guitarra de referencia, que se enviará por auxiliares a cascos conjuntamente con la claqueta de la canción.
Para escoger las tomas buenas, deberemos fijarnos tanto en la velocidad del riff como en la intensidad del golpe en bombos y caja, ya que si no es igual en todos los golpes, se acentuará la pérdida de definición del ritmo de la batería de cara a la mezcla final. Se suele utilizar como complemento a la batería acústica, módulos de sonido para baterías, y ya está en la elección propia de cada grupo, mezclar el sonido acústico y procesado, sólo procesado o sólo acústico. Es muy importante que la base rítmica quede perfecta, así que aunque haya que repetir varias veces (suele ser un infierno cuando no salen las tomas), se deberá insistir hasta lograr la toma óptima, ya que ahorrará problemas con las tomas de los siguientes instrumentos.
Hay que saber que la ecualización de las tomas de sonido es plana y que cuando se graba lo que se busca es la pegada y encontrar el sonido más parecido al natural de cada instrumento, utilizando las distintas técnicas de multimicrofonía (varios micros recogiendo el sonido de un mismo instrumento) y los efectos de dinámica. La búsqueda del sonido se hace en la mezcla final, usando para ello los procesadores de efectos.
Una vez tomada la señal de la batería, teniendo ya todas las canciones completas y revisadas, se graba el bajo. En esta fase de la grabación, dependiendo del estilo musical del grupo, aunque casi siempre es así, se vigila que los toques del bajo coincidan con los toques de bombo de la batería (es importante a la hora de sacar la pegada final, y tanto es así que en los sistemas de grabación digital se colocan perfectamente sincronizados, cortando y pegando las notas mediante los programas de aplicación editores de sonido).
El siguiente instrumento a grabar es la guitarra (base rítmica primero y solos después, a ser posible en distintas pistas).
Recordamos tener en cuenta que en la fase de grabación lo que se pretende es sacar un sonido lo más real posible, dependiendo éste de la toma microfónica (diversos micros en distintas posiciones). Es fundamental también que haya una buena señal de entrada, es decir, el músico debe controlar los niveles de ecualización, volumen, ganancia y saturación de su amplificador, ya que es preferible que el sonido de éste sea más limpio que de costumbre (nos referimos a la forma de ecualizarlo en el local de ensayo).
Lo siguiente que se graba es, en caso de haberlo, otros instrumentos de cuerda (violín, chelo, etc.); de viento (flauta, saxofón, trompeta, etc.); y teclados (ya sean acústicos o electrónicos). Todos estos instrumentos tomarán como guía para seguir la canción la base rítmica de ésta, oyendo por cascos el envío de auxiliares que corresponda a la batería, bajo y guitarra rítmica.
Se da el caso en que a veces es necesaria la voz u otro instrumento solista para hacer de guía; se podrá meter esta señal por línea desde la mesa y sin grabarla (cualquier truco es válido con tal de conseguir buenas tomas, y la forma de actuar dependerá de las necesidades de cada músico).
Después de una estudiada comprobación de los temas grabados, comienza la grabación de la voz. Para tomar la señal de la voz hay que hacer hincapié en los efectos de dinámica (compresores, puertas de ruido, etc.) dando por supuesto que el estudio dispondrá de buenos micros para voz.
Se tomará como referencia desde la sala de control todas las pistas restantes ya grabadas, escuchando así todos los instrumentos al completo y comparando el acoplamiento de las distintas melodías con la voz; por auxiliares, el cantante escuchará también todos los instrumentos, dependiendo de su elección.
Es la voz la que supone una parte muy importante en el disco, ya que siempre estará en primer plano, por lo que hay que dedicarle especial atención y más tiempo del habitual. Se suelen utilizar filtros anti-popping (evitan el sonido de las consonantes fuertes como pueden ser: S, Z, P, etc.), de materiales como seda o papel y que se colocan delante del micro, consiguiendo así una mayor limpieza de la voz.
Primero se grabará toda la voz solista, a ser posible en un mínimo de dos pistas (técnicas de doblaje para efectos de estéreo en la posterior mezcla) y una vez finalizada ésta, pasaremos a tomar la señal de los coros.
Una vez tomada la señal de la voz al completo, comienza la fase de limpieza de pistas eliminando ruidos no deseados que hayan podido filtrarse a la barrera de los efectos de dinámica y que pisan frecuencias de otros instrumentos, cambiando el sonido de éstas y ensuciando además la grabación. De esta fase y de la corrección de los últimos errores también dependerá mucho la calidad final de la grabación. Al acabar el proceso de limpieza de pistas, y habiendo igualado los volúmenes de señal de cada pista, tendremos el trabajo listo para la mezcla.
Para conseguir una buena mezcla no hay ninguna regla general, y la calidad de ésta de penderá directamente del técnico y de los procesadores de efectos que se utilicen, influyendo la calidad y el número de éstos. Con la mezcla se trata de conseguir una ecualización que separe lo más posible las frecuencias de cada instrumento entre sí, para que al final sea más fácil distinguir las distintas señales cuando se está oyendo todo en conjunto en una canción.
Sobre el uso de los efectos tampoco hay nada escrito, pero no conviene abusar de ellos a no ser que la producción lo requiera. (Un mal uso de los efectos puede estropear una buena señal de entrada). Buscaremos también en esta fase de mezcla una colocación en el espacio de los instrumentos mediante las panorámicas y los efectos de estéreo. Se intentará hacer una mezcla lo más dinámica posible, para evitar un sonido lineal y monótono en la grabación. Es conveniente ir oyendo premezclas con detenimiento antes de decidirse por la mezcla final, ya que es el momento cumbre de la grabación y no hay que precipitarse.
Con la mezcla ya realizada, ya tenemos el trabajo listo para editar el CD.
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ETAPAS DE LA PRODUCCION MUSICAL |
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Existen varias etapas a la hora de producir
una canción musical. Lo primero es la
composición de la música, es decir,
establecer su partitura haciendo su melodía,
ritmo, acompañamientos... Después es preciso
grabar las melodías y ritmos que hemos
compuesto; pera ello nos valdremos de un
secuenciador que será el encargado de
registrar nuestras composiciones.
Más adelante veremos que existen dos tipos
de secuenciadores, y aprenderemos sus partes
constituyentes. A continuacion puedes ver un
secuenciador:
Con el secuenciador podemos grabar
nuestras composiciones musicales.
El
siguiente paso en la producción musical es
la mezcla. Este proceso es muy importante, y
será el que más tiempo nos lleve a la hora
de la producción. También engloba a otros
procesos como el procesamiento o la
monitorización.
Cuando suenan todos los instrumentos ya
grabados a la vez, suele sonar todo
embarullado; el proceso de la mezcla tiene
como objetivo hacer que suenen todos los
instrumentos a la vez de la mejor forma
posible.
Con la mesa de mezclas podemos hacer
sonar todos los instrumentos a la vez
sin que suenen embarullados.
El
último proceso en la producción es la
masterización. Sirve para darle el toque
final a nuestras producciones; por ejemplo ,
puede ser que el volumen final no sea óptimo
y suene la mezcla muy bajo. Podríamos
masterizar aplicando un maximizador para
subir el volumen general de la producción.
Con el maximizador podemos darle una
amplificación óptima a nuestras
canciones.
Estas son las partes fundamentales en la
producción musical. Dentro de cada una de
estas etapas hay otras, como pueden ser la
cuantificación, la ecualización o la
monitorización.
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